Con motivo de la exposición Le nouvelle BD flamande, que se presentará el próximo mes de junio en el Centre belge de la bande desinée (CBBD) de Bruselas, el segundo número de Les Cahiers de la BD ha incluido un informe acerca de lo que la revista ha dado en llamar el nuevo cómic flamenco.

En él se cuenta como, a raíz de la creación del primer master en cómic de la escuela superior de arte Sint-Lukas en 1998, el surgimiento de las pequeñas editoriales Bries (con sede en Amberes) y Oogachtend (con sede en Lovaina) y la política de apoyo al cómic por parte de los Fonds flamand des lettres desde 2001, los autores de cómic podían solicitar una beca y los editores obtener una subvención para la publicación de un autor flamenco. Como el tamaño de ese mercado es relativamente pequeño, los Fonds flamand rápidamente pusieron en marcha la iniciativa de promocionar a estos autores en el extranjero, en particular con la exposición Ceci n'est pas la bande dessinée flamande en el festival de Angulema de 2009, gracias a lo que la mayor parte de estas obras se tradujeron al francés.

Este entorno propició que los autores trabajasen libremente, sin la necesidad de tener en cuenta ninguna inquietud de índole comercial. La mayor parte de ellos se decantó por las obras de ficción o por el humor contemporáneo, tratando de evitar el cómic clásico flamenco.

Vamos a efectuar un repaso de los autores que compondrán esta exposición y de sus obras más representativas.

El primero de ellos, Olivier Schrauwen, es bien conocido en nuestro país, ya que cuenta con la mayor parte de su obra traducida al castellano gracias a la infatigable labor de la editorial Fulgencio Pimentel, labor por la que deberíamos estar deshaciéndonos en elogios durante varias horas.

Nacido en 1977 en Brujas, reside actualmente en Berlín. Comenzó estudiando animación en el KASK, la prestigiosa escuela de Artes de Gante y fue uno de los primeros estudiantes del master de Sint-Lukas. Ha publicado en revistas y antologías como Beeldstorm, Ink, Spirou y Hic Sunt Leones.

Su primera obra, Mi pequeño, (My boy es el título original), acaba de ser bellamente reeditada este mes en nuestro país (afortunadamente, ya que la primera edición en castellano, realizada por Norma Editorial en 2009, no respetaba las dimensiones del original de 2006, cosa que representa un pequeño crimen). Además, esta reedición aumenta hasta las ochenta páginas, incluyendo una historia adicional.

Es muy significativo indicar que este álbum, escrito originalmente en inglés y dibujado en un estilo que recuerda los primeros cómics de prensa norteamericanos del siglo XX, nunca ha sido traducido al flamenco. La historia de un padre y su hijo minúsculo, adornada con unas preciosas imágenes del zoo de Amberes y la referencias a El juicio de Cambises, de Gérard David, y a Brujas, en un sentido más amplio, proponen una Bélgica cargada de estereotipos. Este álbum formó parte de la selección oficial de obras esenciales del festival de Angulema de 2007.

, una continuación absurda y sin palabras de El libro de la selva de Rudyard Kipling. Ambas obras se incluyeron en la selección oficial de álbumes de Angulema de 2011 y 2012, respectivamente.

Ese formato mudo se repetirá en las historias cortas -dieciséis páginas- 30.000 years of bad luck (Bries, 2010) y su continuación -ya no tan muda- 29.000 year of bad luck (Bries, 2015), inéditas en castellano.

A diferencia del original francés, Gris, que se publicó de forma independiente, la editorial Fulgencio Pimentel decidió incluir Grises en la antología Terry (2014), donde el autor narra su abducción, sufrida a manos de unos extraterrestres hidrocéfalos, en poco más de veinte planchas realizadas al estilo brut.

Su última obra, teóricamente basada en la vida de su abuelo, Arsène Schrawuen, que parodia las historias de aventuras coloniales, ha obtenido hasta ahora el reconocimiento unánime por parte de la crítica, recibiendo los calificativos de "cautivadora, divertida y resueltamente surrealista".

En 1947, Arsène Schrauwen se embarca en un barco de vapor con destino a una misteriosa y lejana colonia, a petición de su primo Roger. Juntos, pretenden crear una ciudad utópica en el corazón de un mundo salvaje que responde al nombre de "Ciudad de la Libertad". Víctima de su locura, Roger será internado y Arsene tendrá que dirigir, solo y sin experiencia, una expedición que lo llevará a la tierra prometida. Se enfrentará a los peligros de la jungla, mientras un extraño virus tropical amenaza con diezmar a sus hombres, a la vez que tratará de esclarecer sus sentimientos hacia Marieke, la esposa de su primo. Gradualmente, irá perdiendo el control de la situación y se alejará de la realidad, precipitándose en su propia paranoia.

Arsène Schrauwen está realizada con un estilo gráfico inusual, utilizando un bitono rojo y azul que terminará resultando característico. Concebida como una trilogía y realizada entre 2012 y 2015 (así es como la ha publicado Fulgencio Pimentel en España entre 2014 y 2017), en Francia no se tradujo hasta estar completa, publicándose en un único volumen, que formó también parte de la selección oficial de álbumes de Angulema 2015.

Paradójicamente, Schrauwen será una de las ausencias fundamentales de la próxima exposición de Bruselas. Para entonces su última obra, Vies parallèles, ya habrá hecho su aparición en el país vecino, de la mano de Actes Sud.

Brecht Evens, es por tanto, el autor emblemático que encabezará la muestra de este conjunto de autores. Nació en Hasselt, una ciudad a medio camino entre Amberes y Lieja, en 1986. Durante sus estudios en Sint-Lucas publica su primera obra, Een boodschap uit de ruimte, (Van Halewyck, 2005; Un mensaje desde el espacio, inédita en castellano y en francés), sin texto, pero de corte clásico.

Le seguirán otras historias de juventud, como Vincent (Oogachtend, 2006), la historia sobre un chico de pueblo que se va a estudiar un año a Dublin y Natchdierein (Oogachtend, 2007, Animales nocturnos), también sin texto, que versa sobre el amor, el sexo y el peligro. En esta última obra el tratamiento del color ya anticipa su trabajo de fin de carrera, que le conducirá al éxito internacional.

Empujado por su profesor, el ilustrador Goele Dewanckel, romperá con los códigos habituales del cómic a través de un estilo muy personal, construyendo las imágenes mediante capas de color. Si tenéis curiosidad por conocer la obra de Dewanckel, en España se ha publicado su libro Besos.

Así, en 2009, la editorial Oogachtendpublica Ergens waar je niet wil zijn, alcanzando un éxito de inmediato. Ese mismo año, obtiene el premio Willy Vandersteen a la mejor obra flamenca. Al año siguiente, se traduce al francés, y en el festival de Angulema de 2011 consigue el premio de la audacia. También estuvo nominada a los premios Eisner. En España, la editorial encargada de su publicación fue Sinsentido. Lo hizo en 2011 bajo el título Un lugar equivocado. La calidad de la edición es innegable, hasta en los detalles mas nimios: de hecho, es el propio Brecht Evens quien rotula los textos en castellano.

Su lectura no dejará indiferente a nadie, ya que es una experiencia sensorial muy pocas veces vista con anterioridad. A pesar de la potencia gráfica que emplea el artista, gran parte del encanto de sus obras reside en los diálogos. Los personajes se muestran frágiles, se ven demasiado expuestos al lector, casi como avergonzándose de si mismos.

En su siguiente obra, De liefhebbers (Oogachtend, 2011), el estilo gráfico se vuelve todavía más barroco y el pulso narrativo es mucho más firme. Cuenta la historia de Pieterjean, un artista poco inspirado, que acepta la invitación para presidir la primera Bienal de Arte de Beerpole, un lugar en mitad de la campiña de Flandes. El resultado alcanza un nivel altísimo. Raramente se consigue ver con tal nitidez la calidad de un artista.

De nuevo, fue Sinsentido la encargada de publicar la obra en España (2012), también en una edición de notable calidad. De nuevo, el álbum formó parte de la selección de Angulema 2012.

En Panter (Oogachtend, 2014), la pantera de peluche de una niña pequeña toma vida a ratos y experimenta unos cambios de humor perturbadores. Como no podía ser de otra forma, también formó parte de la selección de Angulema 2015. Esta obra permanece inédita en castellano, aunque parece ser que Astiberri ya la ha traducido y la publicará durante este año 2018. En ella, Evens bordea ya la proeza técnica, pero siempre poniendo la parte gráfica al servicio de la historia.

Sólo por disfrutar de las planchas originales de estas obras seguro que merece la pena la exposición del CBBD. Visitad la web de Brecht Evens para ir abriendo boca, porque es ciertamente interesante. Entre otras cosas, en ella podréis encontrar algunas tiras cortas de humor del autor. Algunas de ellas se incluyeron en el último número de La Cruda.

El último trabajo publicado de Brecht Evens ha sido un libro de ilustraciones de Paris para Louis Vuitton (en un formato similar al que, por ejemplo, realizará el fallecido Jiro Taniguchi de Venecia), ciudad en la que últimamente reside el artista, y unas pinturas murales en Bruselas y Amberes.

En la actualidad, Brecht Evens está trabajando en una nueva obra perteneciente al universo de Un lugar equivocado, cuyo título provisional es City of Belgium.

El siguiente autor que formará parte de la exposición es Brecht Vandenbroucke. De este autor, ya reseñéen su momento White Cube. (Fulgencio Pimentel-Entrecomics, 2013). Compañero de estudios de Brecht Evens, nació en Veurne en 1986, cerca de la costa, casi en la frontera con Francia. Su heterogénea producción artística comprende los ámbitos del cómic, la ilustración, la escultura, la pintura y el cortometraje.

Como explicamos en su día, White Cube (Bries, 2013) es una obra sin palabras, en el que dos protagonistas calvos (¿trasuntos de Hernández y Fernández?) viven el mundo del arte moderno, conformando una serie de planchas que delatan la profunda comprensión de dicho mundo por parte de su autor.

Sus gags, clásicos en su desenlace, están realizados con pintura acrílica en un formato que apenas excede el tamaño de su impresión, lo que demuestra una habilidad asombrosa. Vandenbroucke se alimenta de todas las imágenes contemporáneas para crear sus ilustraciones, publicadas en muchos medios internacionales, como el New York Times. En ellas, celebra y critica el consumismo al mismo tiempo.

Sólo he vuelto a ver otra vez una obra impresa suya: un libro póster incluido en el álbum colectivo René Magritte visto por...(Turner, 2018).

Judith Vanistendael (Lovaina, 1974) es diplomada en historia del arte por la Universidad de Gante y realizó el postgrado en Sevilla. Ha ilustrado los libros de su padre, un conocido escritor en Bélgica, además de realizar el máster de Sint-Lukas en Bruselas.

Su primer cómic fue De maagd en de neger, publicado en dos partes, en ambos casos con un gran revuelo mediático. La primera parte, Papa en Sofie - 1994-1998 data de 2007; la segunda, Leentje en Sofie, de 2009. Su editorial, la holandesa oog & blick, terminaría reuniendo las dos en un único libro. Relata el matrimonio entre la joven autora con un solicitante de asilo de Togo y expone lo absurdo de los procedimientos administrativos relacionados con ese proceso, de forma que su matrimonio fue la única posibilidad que le quedaba a la autora para ayuda a su amigo a permanecer en Bélgica. Tuvo una gran acogida por parte de la prensa y el público, por lo que se tradujo a varios idiomas. Así, también formó parte de los álbumes seleccionados en el festival de Angulema de 2009.

En España fue publicada por Norma en 2010 con el título Sofía y el negro.

Judith pasó de la tinta china a la acuarela en su siguiente trabajo, David, les femmes et la mort, que se publicó antes en francés que en holandés. Si bien en este caso la relación entre la obra y la realidad está menos clara, esta historia acerca de los efectos de un cáncer de garganta sobre un enfermo y su familia parece igual de verídica. Los silencios de David, que es como tradujo Norma su título al castellano en su edición de 2014, fue nominada a los premios Eisner.

Su tercer gran proyecto es Salto (Le Lombard, 2016) o Mikel (como se ha denominado en su traducción al flamenco y al alemán), con guión del escritor sevillano Mark Bellido, que trabajó como guardaespaldas de políticos vascos en Pamplona durante cuatro años.

Cambiando nuevamente de técnica (esta vez utiliza la pintura al pastel), Vanistendael modula la atmósfera de cada capítulo mediante los colores elegidos para los fondos. La obra permanece inédita en castellano.

Hasta aquí llega la relación de autores que han visto su obra publicada en nuestro país. Hay otros, también verdaderamente interesantes, que conviene tener presentes:

Ben Gijsemans, (1989) también estudió animación en el KASK y el master en cómic de Saint-Lukas. Su primera obra, Hubert (Oogachtend, 2014), se ha comparado en numerosas ocasiones con My boy, de Schrauwen, sobre todo a causa de la textura que reciben los colores, que dan la impresión de estar leyendo un libro antiguo.

Hubert se tradujo al francés inmediatamente por Dargaud y más tarde se publicó en inglés y alemán.

El autor no necesita muchas palabras para explicar la soledad de su personaje, que pasa su tiempo mirando al vecino de enfrente o a las pinturas de los museos de bellas artes que más tarde copiará en su casa. Los contactos humanos le plantean un problema, así que el protagonista se encierra en el mundo del arte. El estilo gráfico de Hubert muestra el trazo de un trabajador meticuloso, un perfeccionista que controla cada línea y punto de color. La obra se parece a su autor, no porque sea autobiográfica, sino por su lado reflexivo, silencioso y firme. Habrá que esperar todavía para poder leer su segundo álbum, llamado provisionalmente Aaron, en el que Gijsemans usará su personal narrativa para contar la vida de un hombre que intenta retener sus impulsos pedófilos.

Maarten Vande Wiele (Gante, 1977), de trazo altamente estilizado, comenzó estudiando animación en la Hogeschool, pero pronto cambió a la disciplina de la fotografía. Finalmente, optó por graduarse con un master en artes decorativas. Después de realizar algunas fotonovelas, comienza a publicar cómics en diversas revistas, hasta que realiza las venticuatro planchas de Glamourissimo (De Plaatjesmaker, 2000), abordando el tema de la vida decadente de las mujeres de la alta sociedad.

Poco después, realizará Best Girlfriend Forever 2000 (Incognito, 2001), una parodia de Los Ángeles de Charlie, obra de la que renegará más tarde, avergonzándose de ella.

Posteriormente, emprende una serie de historia cortas que serán recopiladas en Strip Noir (Bries, 2005). El mini álbum, de sólo 32 páginas en b/n, y pequeñas dimensiones, consta de tres relatos negros.

Ese año también publica en Bries, con guión de Stefan Nieuwenhuis, la miniserie de tres números Doctor Carnacki, una psicodélica recreación del detective paranormal creado por William Hope Hodgson en 1910.

Su carrera internacional comienza a despegar con su siguiente trabajo, el díptico I love Paris (Oogachtend, 2008)/I hate Paris (Oogachtend, 2009), recopilado posteriormente en un único tomo titulado sencillamente Paris. Definida como la "primera novela gráfica basura", presenta un "alto contenido en Sexo en Nueva York", de una forma más explícita que en la serie de televisión. Es una comedia de tono negro, basado en historias y chismes del mundo del espectáculo, que termina criticando la superficialidad, el consumismo y a una sociedad que potencia la obsesión por las carreras profesionales. Para empezar, sus protagonistas se llaman Hope, Faith y Chastity.

Maarten Vande Wilde convenció a Erika Raven, para que realizase el guión de la primera parte. Fue una de las primeras autoras de cómics belga de los años ochenta del pasado siglo, que, sin embargo, abandonó el medio, totalmente desilusionada, a finales de los noventa. Dado que ErikaRaven no mostró ningún interés por escribir el guión de la segunda parte, este fue realizado por el escritor Peter Moerenhout.

El caso es que la obra fue traducida al francés por la editorial Casterman, con el título I f*ck*ng love Paris, alcanzando un éxito razonable. Posteriormente, la obra también se ha traducido, además, al inglés, alemán e italiano.

La aparente preferencia del autor por los temas superficiales del autor contiene, sin embargo, profundas cargas de profundidad emocional. En este caso, la ambigüedad que se presenta es sumamente interesante: las elegantes ilustraciones, llenas de glamour, parecen querer deslumbrar al lector, pero Vande Wiele no oculta el inmoral comportamiento de sus heroínas para intentar alcanzar sus sueños.

Su siguiente obra es Monsieur Bermutier (Oogachtend, 2014). En un registro distinto, Vande Wiele adapta cinco historias de El Horla, de Guy de Maupassant. El belga asigna al inspector Bermutier un papel en cada uno de las historias con el fin de proporcionar unidad a la obra. Alegres acuarelas, líneas sinuosas y composiciones de páginas brillantes no parecen ser el estilo que mejor combine con el humor negro de Guy de Maupassant, pero Vande Wiele sale airoso del trance, adueñándose de estas historias. Lo que sí comparte esta obra con I f*ck*ng love Paris es una visión negativa de la humanidad que terminará por convertirse en la seña de identidad de su autor. Los personajes que pueblan sus páginas son hipócritas, egoístas y cobardes. Casterman también tradujo esta álbum al francés en 2014.

En ABBA zoekt Frida (Oogachtend, 2016) vuelve la fascinación por el glamour. Porlas calles de Gante cuatro jóvenes músicos (Astrid, Bert, Bavo y Anneleen) deciden crear una banda tributo a ABBA: The Honey Honeys. Al principio, sus actuaciones son bastante malas y poco profesionales, pero gradualmente el grupo obtiene cada vez más éxito. Sus shows se hacen cada vez más profesionales y populares. Finalmente, su vida comienza a parecerse más a la de los miembros originales de ABBA. La idea le vino al autor después de ver la actuación de una banda tributo real en el Festival de Gante. La publicación de esta obra en el mercado francés corrió a cargo Vraoum y también es de 2016.

La última obra publicada de este autor, bastante reciente aún, es la primera parte del díptico Zeep (Oogachtend, 2017), que parodia las series americanas de los años ochenta, tipo Dallas o Dinastía. Vande Wiele condimenta la historia con todos los clichés posibles sacadas de las telenovelas: peleas de gatos, mujeres alcohólicas, dramas durante las ceremonias de boda, personajes que de surgen de la nada después de una larga ausencia...

Como se puede observar, a medida que avanza la carrera de Maarten Vande Wilde, más libera su estilo y más desarrolla los temas, creando una obra personal única.

Simon Spruyt (1978) también cursó el master en cómic de Saint-Lukas. De entre todos los autores cuya obra formará parte de la exposición del CBDD, este es el más premiado, superando incluso a Brecht Evens.

A principio de su carrera como autor, realiza la serie para niños con guión de Fritz Van den Heuvel (seudónimo del belga Joris Vermassen, nacido en 1964), De Bamburgers relata, a lo largo de tres álbumes de aspecto clásico, las cómicas aventuras de una familia real que vive en una pequeña isla. El primero de ellos (De Nationale Feestdag, 2006) consiguió el premio al mejor álbum para la juventud de los Países Bajos de ese año. Los dos siguientes son Koning Leo (2008) y Rust en vrede (2012). La serie fue publicada por la editorial holandesa Silvester Strips Uitgeverj, de la ciudad de Den Bosch (sí, la que dio nombre a Hyeronmius Bosch, el Bosco), ciudad que, por cierto, tiene por nombre castellanizado Bolduque y un gentilicio para recordar, sus habitantes se conocen en castellano como bolduquenses o boscoducenses, así que el apelativo de el Bosco es incorrecto ¿no?

La primera obra de Simon Spruyt destinada al publico adulto es De furox, una historia ficticia sobre un dragón ambientada en el contexto histórico del régimen nazi, en 1933. Mezcla a partes iguales, comedia, absurdo y aventura. Sus dos álbumes fueron publicados por Bries en 2007 (Furox 1: Diaspora) y 2008 (Furox 2: Terra Nova) y, más tarde, traducidos al francés, formando parte de la colección Poisson Pilote. Resulta particularmente sorprendente que Spruyt logre fusionar un estilo de dibujo bastante realista para los decorados y los principales personajes humanos con la representación divertida y caricaturesca del dragón y de otras criaturas míticas. Sus planchas podrían estar a la altura de un Sfar o un Duchazeau, proporcionando a la historia una profundidad similar a la que se gastan estos dos autores .

En 2008, su historia Productiecapaciteit - Een blik achter de schermen van Les Studios S.G.F. (Capacidad de producción: una mirada entre bastidores de los Studios S.G.F.) ganó el premio del jurado del Focus Stripstrijd, el concurso de la revista Focus Knack para creadores de cómics, cuyo premio era un contrato para publicar en la revista durante un año.

Así, las historias autobiográficas de ficción que realiza para Focus Knack (y tambiñén para Zone 5300) se recogen en el libro SGF, "una reconstrucción de la vida y obra de SGF Spruyt, uno de los principales productores del cómic de su tiempo", que no es otra cosa que una falsa autobiografía megalómana, presentándose el autor como una persona influyente y amoral. El álbum sería publicado por Silvester Strips Uitgeverjen en 2011.

El siguiente proyecto que encara Spruyt es Junker: een Pruisische blues (Blloan, 2014), que podríamos traducir como Junker: un blues prusiano. Por él conseguirá el premio Willy Vandersteen a la mejor obra flamenca en 2014.

Esta ficción histórica trata sobre un chico de una antigua familia prusiana que se une al ejército y que se asigna un papel histórico durante la Primera Guerra Mundial. Spruyt abandona aquí el color y se limita a trabajar con un gris azulado que parece cubrir los sucesos de la historia como si fuera una niebla.

En su álbum más reciente, Papa Zoglu (Bries, 2017), retorna al humor por medio de un cuento de hadas que muestra el lado rebelde del autor. Ilustrado cons acuarelas, se asemeja a las ilustraciones bidimensionales de los manuscritos medievales. Cuenta la historia de un pequeño príncipe que nació de una vaca y ahora, durante su adolescencia, se convierte en un toro bigotudo. Sin duda, se puede asegurar que Simon Spruyt se puede enfrentar con garantías a cualquier género al que se quiera aproximar.

He dejado para el final a

Pretender resumir aquí la trayectoria de este autor es una tarea poco menos que imposible, así que me ceñiré a unos pocos logros de su carrera.

El formato de este serie de humor, cuyo primer álbum en Holanda se remonta a 2001, seguía siendo bastante tradicional; los gags ocupaban el espacio de una tira o una página y se dibujaban en un estilo más eficaz que virtuoso. El encanto de esta serie residirá en el sentido del humor de Nix, mezclando gags a veces absurdos con otros verdaderamente audaces. Kinky et Cosy ganó el premio a la mejor serie cómica en el festival de Nantes-Atlantique en 2006, además de obtener varias nominaciones en Angulema. también se presentó en una exposición en el festival de 2015 con el título The Kinky and Cosy Experience.

Las colaboraciones de Nix con la revista Ferraille Ilustré, la creación del western Billy Bobpara la revista Spirou o la realización de 500 episodios de animación de Kinky et Cosy muestran la perseverancia para llegar al gran público y el eclecticismo de su autor.

Dentro de las innumerables delicatessen que se han publicado en España durante este año destaca esta obra de Renaud Dillies, que ya tiene algunos añitos, pues en nuestro país vecino, el álbum vió la luz en 2013. Para mi gusto, el de Lille es uno de los autores más interesantes de los últimos tiempos, como ya comenté el año pasado en la crítica de la sobresaliente Abelardo, serie que realizara junto al excelente guionista Régis Hautière.

Si en el artículo anterior, relativo al Patito Saubón de Carlos Nine, hacíamos referencia a Georges Herriman (autor que vuelve a estar de moda en España gracias a la exposición de su obra en el Museo Reina Sofía, exposición que ningún lector de LME debe dejar de visitar, dicho sea de paso), este Sabor a coco viene al pelo, pues mantiene una conexión directa con el trabajo del norteamericano.

Jiri y Polka, los dos protagonistas de la historia, deambulan sedientos por un extraño y pequeño mundo poblado por criaturas antropomorfas, donde esporádicamente surge algún tipo de vegetación aislado y el sinsentido campa a sus anchas.

La crítica positiva se la lleva sin duda el apartado gráfico. Estéticamente poderosa, cada página merece la pena ser detenidamente admirada, tanto a nivel compositivo como por la multitud de minuciosos detalles que contiene. El acervo de su autor en artes decorativas queda patente a lo largo de sus viñetas.

Para mi gusto, sin embargo, la sensación que obtuve finalmente tras su lectura resultó algo tibia, ya que la obra adolece de un hilo narrativo que le proporcione una mayor contundencia. No será porque la obra no destile entre sus dosis de humor un cierto halo de cinismo, algo que se agradece durante el avance de la acción, pero en la práctica no adquiere el peso suficiente como para que el conjunto llegue a alcanzar un empaque que le hubiese permitido obtener una calificación superior.

No deje el lector que la objeción anterior merme su deseo de aventurarse por los recovecos de este pequeño universo. Más bien al contrario, sumérjase en su lectura a sabiendas de que, sencillamente, se introduce en un elaborado divertimento, lo que tampoco es moco de pavo.

Calificación: 7/10

No conocía la faceta humorística del ya fallecido Carlos Nine. Una parte importante de su obra no ha sido publicada en España, por lo que este Patito Saubón viene a rellenar un agujero bastante evidente, máxime cuando esta una de su historietas más conocidas ...en francés. En el país natal del autor nunca había sido recopilada en forma de álbum. Aquí estaba inédita. Luego se tilda a nuestros vecinos franceses de chauvinistas, ellos, que concedieron a esta obra el Alpha-Art al mejor álbum extranjero en el festival de Angulema de 2001...

Como se dice en el prólogo de esta magnífica edición de Reservoir Books, el propio Carlos Nine afirma que esta obra es «si le tapás los dibujos, como una novela de Chandler marxista, de tono existencial y confesional». Escrita en clave ciertamente arrabalera, con ese toque de incorrección tan difícil de observar hoy en día, resulta una lectura obligatoria para los aficionados al tebeo.

Es cierto que este Herriman sureño pasma con su dibujo, unas veces ininteligible, otras deslumbrante. Tras su lectura, uno se lamenta de que la serie no haya tenido más continuidad y que su autor no pergeñase más aventuras de este pato vendedor de cepillos y seductor de golfas.

Nine se interesó por la historieta cuando ya tenía cuarenta años. Sus primeras historietas datan de 1984, un año después de la elección de Raul Alfonsín, pero más bien rezuman desencanto y frustración. Esta obra pertenece a su última etapa para el mercado argentino, a finales de esa década. En su protagonista he podido reconocer al Fantagas de diez años después y a su contrapunto Siboney, y en un triple salto mortal en lo que a ideas asociadas se refiere, a los personajes de Jacinto de Cavallère y (sobre todo) Alejandra que crearan Sfar y Trondheim en la serie Donjon-Potron Minet para los que Nine dibujó el episodio se titulaba El desengaño. Sorpresas te da la vida...

Calificación: 7/10

Desde hace ya muchos años, no me compensa seguir la actualidad cinematográfica al minuto. A diferencia de lo que sucede en el cómic o en el mundo de mi música, donde si no prestas cierta atención de una forma constante, puedes perderte muchas obras de gran interés, con el cine uno puede permitirse el lujo de dejar pasar un tiempo desde que una obra se estrena hasta que le toque el turno de ser contemplada.

El ritmo de producciones que llaman mi atención no pasa de una decena de películas al año. De estas, bastantes de ellas se puedan calificar meramente de aceptables o entretenidas. Entre los rígidos esquemas de distribución internacionales, la velocidad a la que los estrenos desaparecen de las salas y el riesgo monumental de que la sesuda crítica te empuje por sus pedantes derroteros, me sale mucho más a cuenta esperarme un tiempo y seleccionar las películas que veo en mi propia casa.

Dado que el tamaño de las pantallas de las salas va decreciendo (mientras que, por otra parte, en los hogares está va en aumento) y que con los servicios de descarga on-line se zafa uno de la tiranía de los horarios comerciales, cada vez me resulta más chocante desplazar mi body hacia esos recios y poco aseados butacones cuya única virtud es disponer de un adminículo para depositar el refresco.

Como en casa en ningún sitio. Además de la comodidad que ello supone, como mucho, sólo tengo que aguantar las interrupciones de la propia familia en lugar de las del resto del respetable, lo que es una cosa mucho más llevadera aunque difícilmente evitable.

Después utilizo un sofisticado proceso de selección para escoger las películas que veo: utilizo la lista que elaboro anualmente (y que podéis consultar en esta propia web) basada en las diferentes críticas que ha recibido por una serie de medios, mas o menos afines a mis gustos. Y a lo largo del año siguiente, procuro ver la lista completa.

El método dista mucho de ser perfecto. Yo diría que el porcentaje de aciertos es inferior al 30%. Los primeros puestos de la lista están, como cabía esperar, poblados de obras sobrevaloradas de tal forma, que estoy empezando a pensar que la crisis ha llegado a hacer mella también entre las drogas que se meta la crítica respetable.

Todo obra que se acerque a un tema deprimente obtiene, por lo general, más nota de la que le corresponde. El razonamiento debe basarse en que lo deprimente debe llevar aparejado un barniz de seriedad que resultará fácil de apreciar por las personas sensibles.

Otras veces, prejuicios notables perjudican notablemente a determinadas películas, que se ven caprichosamente relegadas al olvido. Suelen ser obras de éxito, que la crítica considera demasiado vulgares para su refinado gusto.

El caso es que sule haber una zona de la lista relativamente segura: su parte media-baja. Es ahí donde suelo encontrar las películas que más satisfacción me producen, a salvo de los egos que nos pontifican con su sabiduría, pero que por un motivo u otro han conseguido capturar su atención.

Este es el caso de El ciudadano ilustre. No tengo ninguna duda de que es una de las mejores películas del 2016, y que sin duda, dentro de unos años, será encumbrada y ocupará un humilde puestecillo entre las obras más relevantes de la década. Pues ahí está, en el puesto 62 de mi lista, clasificándose casi por los pelos.

No voy a glosarla, ni a hablar de la maravillosa actuación de muchos de sus interpretes, con un sobresaliente Oscar Martínez a la cabeza. Tampoco alabaré a sus directores, Gastón Duprat y Mariano Cohn, porque ya lo hice en el artículo que le dedique a su también magnífica La casa de al lado. Sin embargo, sí que me voy a molestar en resaltar que el guión de Andrés Duprat, de nuevo, destaca por su poderío.

Así que mi consejo es, simplemente, que la veáis y la disfrutéis.

Hará un par de años, Catalina Mejía, la responsable de Salamandra Graphic, me argumentaba en unas Jornadas Comiqueras de la Fnac lo inútil que le parecía la tarea de realizar adaptaciones literarias al cómic. Diego Moreno, el editor de Nórdica, asentía de la misma forma. El argumento que daban me pareció en ese momento sólido e irrefutable: en el hipotético caso de que la adaptación mereciese la pena, ¿no hubiese sido mejor leer el original?. Yo, que había disfrutado como un enano con la adaptación que Marta Gómez Pindado había realizado de El hombre que fue Jueves, quedé algo mohíno, pues he de reconocer que me sentí desarmado y sin nada que objetar a tan contundente argumento. Sin embargo, algo debe fallar en su razonamiento: este Sostiene Pereira de Pierre-Henry Gomont me ha encandilado de idéntica manera.

Los aficionados al cine suelen afirmar que no se puede realizar una buena adaptación de una obra literaria a la pantalla grande, y que las grandes películas surgen a través de las obras mediocres. También tengo claro que esta sentencia no puede aplicarse en el terreno del cómic, donde se acumulan multitud de contraejemplos. No en vano, Pereira prétend ha ganado premios en diferentes certámenes, siendo sin duda uno de los álbumes más aclamados por la crítica francesa en 2016.

Por otro lado, el dibujo de Sostiene Pereira me fascina. La decadencia de Lisboa casi se puede tocar mientras palpas las páginas con los dedos. Es evidente que la ardua labor de investigación del autor ha dado sus frutos, obteniendo esta saudade a la francesa. La edición que publica Astiberri es absolutamente fiel a la original de Sarbacane (también casi en el precio).

Me parece extraordinario que Goumont sólo haya realizado seis obras hasta la fecha, porque su trazo denota una madurez que no se corresponde con una bibliografía tan corta. Así que me abalanzaré sobre la otra obra que el francés tiene publicada en España, Rojo Karma, esta vez con Eddy Simon como guionista.

Calificación: 9/10

En mi blog Arte a las ocho, he recopilado todos los álbumes que conozco sobre arte. Contienen a uno o varios artistas como protagonistas, o bien tratan sobre el mundo del arte. He diferenciando las obras realizadas en España de aquellas que tienen su origen en el extranjero.

Desde la página principal de Arte a las ocho, se accede a dicha lista en el menú de la parte inferior, a la derecha.

No he incluido en esta lista álbumes que, aunque contengan obras y artistas entre sus páginas, tengan como protagonistas principales a otros personajes o no sean el objeto sobre el que gire su argumento. De esta forma, he construido una primera agrupación con los álbumes editados por diferentes museos europeos, para continuar las obras de Gradimir Smujda, algunas colecciones especializadas en el tema, biografías en general (aunque algunas puedan versar sobre un periodo concreto o un acontecimiento en particular) y, por último, obras de ficción generadas acerca de obras o artistas o bien que traten del mundo del arte en general y su entorno (crítica, teoría, literatura).

Si observáis o conocéis alguna mas que encaje en ella, hacédmelo saber.